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El pequeño Pataxú, Tristan Derème

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momper



Registrado: 14 Dic 2008
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MensajePublicado: Lun Oct 31, 2016 3:11 pm    Tí­tulo del mensaje: Responder citando

«La escena se desarrolla en una sala de la morgue, únicamente iluminada por la luz que penetra a través de una ventana elevada y que destaca las formas lívidas de la difunta, una joven de cabellos rojizos. A su lado, de pie, el forense contempla ensimismado el corazón que acaba de extraer a la fallecida.

»Durante años, el significado concreto de la pintura ha sido motivo de discusión. Entró a formar parte de los fondos del museo malagueño con el título de "¡Y tenía corazón!", lo que dio pie a la interpretación de que la joven era una prostituta.

»Gracias a las cartas que el artista dirigió a su familia mientras estaba viviendo en Italia –la pintura la realizó en Roma–, podemos saber que Simonet empleó como “modelo” el cadáver de una joven actriz que se había suicidado, al parecer víctima de un desengaño amoroso».

Javier García Blanco, El corazón de la "prostituta" (en Yahoo Noticias).

«La erotización de la muerte fue un tema predominante en el arte europeo de finales del siglo XIX, como atestiguan muchas representaciones de la Ofelia de Shakespeare. Aquí un anatomista contempla el corazón que ha extraído del cadáver de una prostituta. La lánguida postura del cuerpo, la seductora pañería y el exuberante pelo no parecen concordar con el trasfondo moralista de la escena. Las piernas y los pies de Cristo crucificado son tenuemente visibles a la izquierda, mientras un conjunto de frascos y matraces está iluminado en la parte superior derecha. Enmarcadas entre representaciones de la religión y la ciencia, la muerte y la sexualidad, sin embargo, rehúsan revelar sus secretos».

Medicine and Western Civilization (editado por Steven Marcus, David Rothman y Stephanie A. Kiceluk).

Anatomía del corazón o ¡Y tenía corazón! o La autopsia, de Enrique Simonet Lombardo (Valencia, 1866 - Madrid, 1927)
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momper



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MensajePublicado: Dom Feb 05, 2017 5:51 pm    Tí­tulo del mensaje: Responder citando

Artemisia se prepara para beber las cenizas de su marido, Mausolo (Francesco Furini, 1603-1646)

«Por fin, el cuarto y último ejemplo que comentaremos en esta muestra de los ejemplos clásicos de amor llevado al extremo que aparecen en la literatura sobre la condición femenina de los siglos XIV, XV y XVI —el único que no acaba con la muerte de la mujer— es el de Artemisia, sátrapa de Caria durante el siglo IV a.C., casada con su hermano Mausolo.

»En realidad Artemisia pasa a la posteridad por dos aspectos fundamentales que tienen que ver con la muerte de su marido Mausolo. El primero, el cual aparece en la versión de Álvaro de Luna [Libro de virtuosas e claras mugeres] es el suntuoso edificio que construyó para albergar el cuerpo de su difunto marido. Este mismo hecho es destacado por Boccaccio en su De mulieribus claris, pero también el hecho de que, no contenta con eso, decidiera incinerarlo y beber sus cenizas mezcladas con un brebaje para que su pecho sirviera para siempre de sepulcro a su marido, información que Álvaro de Luna omitía en su tratado. Esta anécdota, cuya fuente antigua vuelve a ser una vez más Valerio Máximo (IV 6, ext. 1), aparece en el resto de obras que configuran nuestro corpus. En este caso, sí que podemos advertir un cierto erotismo en el acto extremo que lleva a término Artemisia, ya que la unión corporal con las cenizas de su esposo y el deseo de albergarlo siempre en su interior podrían ser interpretados como una muestra de algún tipo de obsesión de carácter amoroso e incluso sexual».
Ángel Narro, Ejemplos clásicos de amor llevado al extremo en la literatura sobre la condición femenina de los siglos XIV-XVI (en Omnia Vincit Amor. Amor i erotisme a les literatures clàssiques i la seua recepció, 2015)

«Furini, Francesco (Florencia, 1603-1646). [...] fueron sus inter­pretaciones bíblicas y mitológicas, siempre pobladas por hermosas mujeres desnudas, las que le granjea­ron el éxito en el selecto ambiente florentino. Con una aplicación delicadísima del sfumato, construido a base de ligeras veladuras azuladas, su pintura se convirtió en una vibrante exploración del ideal del desnudo femenino. Con un colorido plagado de ecos venecianos, supo dar vida a unas figuras de extrema sensualidad y morbidez, elegantes y con un diseño directamente vinculado al manierismo en sus formas alargadas. La sensualidad explícita de sus obras no le impidieron hacerse sacerdote y convertirse en prior de San Ansano de Mugello en 1633».
museodelprado.es
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momper



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MensajePublicado: Sab Mar 11, 2017 11:01 pm    Tí­tulo del mensaje: Responder citando

Zarevich Dimitri, de Ilya Glazunov (San Petersburgo, 1930)

«En la mañana del 15 de mayo de 1591, María Nagaya escuchó gritos desde el patio de su palacio y corrió hacia allí, sólo para descubrir el cadáver de su hijo con una gran herida en la garganta. El niño había estado jugando tychka con otros cuatro niños, un juego que implica lanzar al aire un cuchillo de modo que caiga por el filo. Según las tres niñeras también presentes, Dimitri sufrió un ataque epiléptico y se apuñaló a sí mismo en el cuello. Pero María, histérica de dolor e ira, ignoró esta explicación y comenzó a golpear a una de las mujeres con un largo palo mientras acusaba a su hijo, Osip Volokhov, de matar a Dimitri.

»Se hizo sonar la campana de alarma al tiempo de llevar el cuerpo del niño [hijo pequeño de Iván el Terrible] a la iglesia del Salvador. Comenzaban a llegar los curiosos, cuando María, azuzada por su confabulado hermano mayor, Mijail, alteró su historia: ahora insistió en que otros dos chicos habían participado también en el asesinato, a pesar de que ninguno había estado presente en el fatídico momento. Uno de ellos era hijo de un muy impopular oficial del gobierno llamado Mijail Biatiagovski, enviado a Uglich un año antes por Boris Godunov como principal magistrado de la ciudad. Su trabajo consistía en supervisar la recaudación de impuestos y el reclutamiento de soldados. Le fue encargada además la tarea de pagar a los resentidos Nagoys [exiliados allí tras la muerte del zar] la periódica asignación concedida por el gobierno, y probablemente también la de espiarlos».
En los disturbios que siguieron, quince personas, incluidas Biatiagovski y Osip Volokhov, fueron asesinadas.

Boris Godunov (regente de facto) designó una comisión dirigida por el príncipe Vasily Shuisky para determinar los hechos. «Los investigadores llegaron en el atardecer del 18 de mayo escoltados por un destacamento de streltsí. Durante los siguientes once días entrevistaron a 140 personas». Escucharon varias versiones de lo sucedido, pero los testigos oculares coincidieron en que la muerte de Dimitri se debió a una herida autoinfligida en el momento de tener un ataque de epilepsia. En el informe se acusaba a los Nagoys de intentar explotar la tragedia para desacreditar al gobierno. «Los parientes de María habían hecho afirmaciones amenazantes y sediciosas sobre los gobernantes en el Kremlin y se sabía que habían consultado a místicos sobre cuánto viviría el zar [Fiódor, hijo mayor de Iván]. Su resentimiento había influido al joven Dimitri, que estaba imbuido de una intensa conciencia de sus derechos. Un visitante alemán recordaba como el joven había hecho que sus compañeros de juegos formaran figuras de nieve de sus “enemigos” en Moscú, en orden a parodiar su ejecución. Él prometió hacerlo realidad cuando llegara a ser zar».

Sorprendentemente, María y sus parientes salieron del trance con vida, ella enviada a un convento y los varones implicados, a lejanas cárceles.

En enero de 1598 murió sin descendencia el zar, y en septiembre era coronado el propio Boris Godunov, pese a no tener sangre real; «su ascenso al poder se debía principalmente a su servicio en la oprichnina del zar Iván, instrumento con el que se había oprimido fieramente a muchas familias de la nobleza». Entonces empezaron a circular rumores sobre la milagrosa supervivencia del zarévich Dimitri. Según uno de ellos, los agentes enviados a Uglich para asesinarle habían matado al niño equivocado.
Dramáticamente, siguió una época de malas cosechas y hambre. En 1603 esclavos fugitivos dirigidos por el cosaco Khlopko Kosolap llegaron a amenazar a la propia Moscú. Los rumores sobre la inminente aparición del zarévich Dimitri aumentaron…

Un joven había surgido en Polonia reclamando ser el príncipe; el ahora zar Boris Godunov convocó a María Nagaya y al príncipe Shuisky para interrogarlos sobre la muerte del niño. Los servicios secretos, entretanto, identificaron al sedicente Dimitri, se trataría del hijo de un noble de los desterrados por traición después del acceso al trono de Boris Godunov (también se rumoreó que era un hijo ilegítimo de un anterior rey polaco, Stefan Batory).
Con un ejército formado en la Ucrania polaca, el tal Dimitri (llamado, según la identificación rusa, Gregori) fracasó en sucesivos enfrentamientos con las tropas del zar (1605), que subsiguientemente se vengaron cruelmente de los habitantes del distrito ucraniano de Komaritsky, por el apoyo que le habían brindado: hombres, mujeres y niños fueron masacrados en gran número.

Sólo la oportuna muerte de Boris Godunov permitió renovar la lucha. La nobleza abandonó al hijo de Boris, un joven de dieciséis años coronado como Fiódor II, y en junio dos mensajeros del pretendiente se dirigieron a los moscovitas desde el Lobnoye mesto, plataforma junto a la catedral de San Basilio: prometieron perdonar a quienes habían actuado contra Dimitri por ignorancia de su identidad; Vasily Shuisky, que estaba presente, se adelantó y declaró que el niño muerto en Uglich no era el zarévich. La muchedumbre se dirigió al Kremlin, donde la madre y la hermana del joven zar (María y Xenia, respectivamente) intentaron detenerlos portando sagrados iconos. Tras una semana encerrados en los establos del palacio, se enfrentaron a su destino: María se desmayó al ver que se la iba a estrangular con una cuerda, mientras Fiódor Borisovich luchó ferozmente con sus verdugos hasta que fue asfixiado con una almohada; a Xenia, que era muy admirada por su belleza y dulce carácter, se le perdonó la vida para convertirla en concubina del nuevo zar (antes de ser finalmente desterrada a un convento).

«Una formal coronación tuvo lugar el 21 de julio en la catedral de la Asunción, la dinastía de Iván el Terrible era milagrosamente devuelta al poder. Los polacos que asistieron probablemente sonrieron al ver a Dimitri caminar de forma envarada en su toga adornada con gemas durante la solemne procesión para ponerse la corona imperial. La mayoría de ellos nunca había creído que fuera más que un granuja oportunista, aunque bien pueden haber apreciado su talento para lo dramático. Tres días antes, había participado en una escena digna de Shakespeare cuando se reunió con su madre, María Nagaya. La había hecho venir desde el monasterio para reconocerlo y abrazarlo después de una separación de catorce años».

Dimitri se esforzó por actuar con justicia, y en su breve reinado (apenas diez meses) llegó a ser «muy popular entre la gente común, que verdaderamente creyó que era el “buen zar” que habían estado esperando», pero ofendió a la nobleza y a la iglesia con su preferencia por consejeros extranjeros católicos, y su deseo de modelar la duma de los boyardos según el modelo del senado polaco.
Todo se hizo demasiado patente en su boda con la ambiciosa hija de un voivoda polaco, Marina Mniszech, que, en su día, había condicionado el matrimonio con su interesado admirador a que consiguiera hacerse con el poder. Nueve días después de la ceremonia, a medianoche, el propio Vasily Shuisky capitaneó a un grupo de boyardos que penetraron en el palacio del Kremlin y mataron al falso Dimitri, después de que éste saltara infructuosamente por una ventana intentando escapar. Su cadáver fue arrastrado hasta el palacio de María Nagaya, que lo maldijo y escupió sobre él. Después fue quemado y las cenizas disparadas desde varios cañones en dirección a Polonia.

A Marina se le permitió volver a Polonia en julio de 1608, pero aún no había desaparecido de la historia de Rusia. En septiembre de ese mismo año se unía a un nuevo falso Dimitri —supuestamente su marido (!)— que, en el intento de tomar Moscú con ayuda polaca, había acampado en Tushino, a unos trece kilómetros del Kremlin que ocupaba el ahora zar Vasily Shuisky. Para tranquilizar su conciencia se celebró una boda secreta. Más tarde llegó a ser conocida su inclinación a acostarse con simples soldados. El nuevo Dimitri murió asesinado a finales de 1610, después de haber conseguido el apoyo de los cosacos cuando le falló el del rey polaco. Un mes después nacería su hijo Iván. El atamán de los cosacos, Iván Zarutski, se casó con Marina y reclamó para el niño el trono ruso, pero la fortuna no lo favoreció y en 1614 fue empalado en la misma Moscú que había sitiado dos años antes; al pobre Iván, de sólo tres años, lo colgaron. Marina murió en prisión poco después, algunas fuentes sostienen que fue estrangulada.

Peter Julicher, Renegades, Rebels and Rogues Under the Tsars
Wikipedia
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momper



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MensajePublicado: Dom Mar 26, 2017 3:41 am    Tí­tulo del mensaje: Responder citando

Visitando a mi abuela, de Alexander Laktionov (Rostov del Don, 1910–1972)

«“De todos los temas del arte soviético, el más significativo fue la pintura de niños” (Vern G. Swanson, Soviet Impressionist Painting). La vida familiar cotidiana, y especialmente la instrucción de la siguiente generación, fue una elección tan legítima para la pintura de género soviética de la posguerra como los grandes temas sociopolíticos. El estilo meticuloso de la presente pintura es típico de la obra de Alexander Laktionov, la cual puede ser vista en el contexto del fotorrealismo temprano, extremadamente popular entre el público soviético, pero fuente de controversia para los críticos contemporáneos. “La verdadera felicidad —según el artista— es trabajar sin demasiado ingenio, sin aspavientos, constantemente aprendiendo de la naturaleza, bebiendo en la auténtica fuente de frescura eterna y comprensión de la vida”. Nacido en Rostov del Don y formado en la Academia de las Artes de Leningrado por Isaak Brodsky, Laktionov encuentra una legítima comparación en muchas maneras con el artista norteamericano de posguerra Norman Rockwell, cuyos vívidos y afectuosos retratos de su país fueron revaluados por importantes críticos de arte tardíamente en su vida».
Nota del catálogo, Sotheby’s
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momper



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MensajePublicado: Lun Abr 17, 2017 5:05 am    Tí­tulo del mensaje: Responder citando

The Tower in Fog, de Jeremy Mann (Cleveland, 1979)

«Con la Revolución Industrial, la ciudad en sí misma se ha convertido en una entidad que ha fascinado a los artistas; de hecho, los Impresionistas sacudieron y escandalizaron a sus audiencias no menos con sus temas urbanos que con sus vívidos colores y libertad de pincelada. No siendo evidentemente un impresionista, Mann es claramente su heredero.
De hecho, el tratamiento de Mann de las ciudades estadounidenses (la San Francisco en la que reside representa a todas esas metrópolis con enormes edificios, coches y peatones coincidiendo en ritmos animados y flujo atmosférico) continúa la tradición de pintura ciudadana que emergió en paralelo con el impresionismo y continuó hasta mediados de siglo. En esta tradición la paleta es tenue, incluso tonal; Mann emplea los tonos grises, marrones y azules, contribuyendo a evocar una sensación de noche o tiempo lluvioso. El foco del pintor es la media distancia, y la ciudad es retratada como un lugar dinámico de refinamiento tecnológico (o al menos un experimento) e interacciones sociales potenciales. Las imágenes de Mann no van de lo que la gente hace, sino de lo que van a hacer y de lo que les es posible hacer en ese entorno en el que se encuentran».
Peter Frank, editor, crítico de arte y conservador en el Riverside Art Museum

Página oficial de Jeremy Mann
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Antigono el Tuerto



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MensajePublicado: Lun Abr 17, 2017 1:09 pm    Tí­tulo del mensaje: Responder citando

Las pinturas son hermosas ciertamente Cool
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Un libro abierto es un cerebro que habla; cerrado, un amigo que espera; olvidado un alma que perdona; destruido, un corazón que llora.
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momper



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MensajePublicado: Sab May 06, 2017 3:09 am    Tí­tulo del mensaje: Responder citando

New York Public Library, de Thomas W. Schaller

«Me piden a menudo que describa el estilo en el que trabajo. Supongo que lo llamaría una especie de "realismo interpretado". Siempre estoy pidiendo a mis grupos que intenten pintar menos lo que ven y más cómo sienten lo que ven. Para mí esto no es un concepto abstracto o un lema, sino lo que yo genuinamente intento hacer. Como una persona visual (y una que es ligeramente miope), cuando me muevo por el mundo tiendo a ver todo en patrones de oscuro y claro.
Estos patrones abstractos son lo que más me inspira, mucho más que cualquier "escena" que pueda ver. De hecho, es la tensión, el diálogo, el conflicto y la resolución entre fuerzas opuestas lo que más me interesa en una pintura... Claro/oscuro, cálido/fresco, vertical/horizontal; estos "opuestos" y muchos otros son lo que hacen que una pintura pueda ser un vehículo para un impacto emocional. Así que no es ninguna escena específica lo que me inspira y lo que intento pintar. Es la historia de estas fuerzas opuestas que la definen y le dan vida, esto es lo que intento plasmar. Para mí esta es la sustancia del arte».
Thomas W. Schaller, Ask the Expert…, en in the Artist studio

«Después de una carrera de 20 años en la ciudad de Nueva York como arquitecto y artista arquitectónico, Tom Schaller trabaja ahora en Los Angeles, California, donde se dedica a tiempo completo a la acuarela.
El nivel de su trabajo como arquitecto ha sido considerado entre los más destacados a nivel mundial. En ese campo ha ganado premios importantes. En dos ocasiones obtuvo el Premio Memorial Hugh Ferriss. Es autor de dos libros: "Arquitectura de la acuarela” y “El arte del dibujo arquitectónico”, y está preparando un tercero que titulará "La Arquitectura de la Luz" (2018)».
Página de Thomas W. Schaller
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sciurus



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Ubicación: La Montaña Manngica

MensajePublicado: Sab May 06, 2017 6:36 am    Tí­tulo del mensaje: Responder citando

Preciosas acuarelas que,no sé vosotros me recordaron un tanto al cómic. El uso de la luz espectacular.
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Pensad como hombres de acción, actuad como hombres pensantes.

Thomas Mann
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momper



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MensajePublicado: Sab May 20, 2017 3:42 am    Tí­tulo del mensaje: Responder citando

Los cosacos vuelven de una campaña, de Józef Brandt (Szczebrzeszyn, Polonia, 1841-1915)


«En 1859 Brandt comenzó estudios en la famosa escuela de ingeniería Ecole des Ponts et Chaussée de París, pero pronto fue inspirado por un pintor polaco, Juliusz Kossak. Después de un año en París, volvió a Varsovia con Kossak y viajaron juntos a las regiones de Ucrania y Polodia. Brandt quedó asombrado por los paisajes y la “exótica” cultura de esas regiones que durante siglos fueron parte de la Mancomunidad de Polonia-Lituania.

»Su obra artística principalmente representa, de modo realista, batallas de la caballería polaca del siglo XVII, incluyendo unidades de cosacos, tártaros y lisowczyks [unidad irregular de caballería ligera polaco-lituana], valientemente defendiendo las fronteras de la Mancomunidad o venciendo al ejército del Imperio otomano que asedió Viena en 1683.

»Un muy característico rasgo de sus pinturas es exponer las dinámicas de la acción mediante una innovadora técnica de representar caballos y combatientes en una forma dramática de movimiento que los hace parecer como capturados por una cámara. Sus pinturas a menudo toman una forma aproximada al encuadre fotográfico. Brandt trajo estas innovaciones a la pintura experimentando con la fotografía».

Józef Brandt - a master of battle paintings and a “general” of Polish artists in Munich (ampoleagle.com)
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MensajePublicado: Sab Jun 03, 2017 7:24 pm    Tí­tulo del mensaje: Responder citando

In avoidance of failure, de Andrew Salgado

Nacido en Regina, Saskatchewan (Canadá), Salgado pintó de niño paisajes de la pradera. En 2009 obtuvo un máster en Bellas Artes en el "Chelsea College of Art" de Londres. El año antes un grupo de hombres atacó al artista y a su compañero en un festival de música en Pemberton (Columbia Británica) por ser homosexuales. El trabajo de Salgado pasó entonces de mostrar ocurrencias amables a centrarse en la violencia, tal como en su obra de ese año: "Bloody Faggot", un autorretrato en el que aparecía desdentado y cubierto de sangre.

Tengo que preguntarte por el infame ataque de 2008… Has dicho que el suceso inyectó un ángulo político en tu obra… ¿La influencia de este crimen de odio sigue teniendo el mismo peso?

«No, no me provoca o inspira como lo hizo entonces. Quiero decir que todos aprendemos de estas cosas y seguimos adelante. En muchos aspectos soy una persona totalmente diferente desde aquello, casi me parece como si le hubiera sucedido a otro. Ciertamente, mi trabajo siempre ha ocupado un cierto ángulo, o una posición imbuida de política, como resultado. Trabajo sobre diferentes ideas que comparten un cierto núcleo. Hablo mucho sobre misantropía en mi obra, estoy interesado en la naturaleza humana y nuestra tendencia a la violencia. Me gusta lo macabro o las cosas que parecen placenteras, pero reverberan con una especie de energía subversiva. El actual conjunto de obras Este no es el camino a Disneylandia está libremente basado en la declaración hecha por uno de los niños víctimas del violador y asesino en serie William Bonin y sus cuatro cómplices. Fue algo que me tocó una fibra sensible… Pienso que todo el gran arte —música, literatura, pintura— versa sobre los rincones oscuros. Son muy conocidas las palabras de Francis Bacon: “No es mi arte el que es violento, es la vida la que lo es”».
(Entrevista en noisey.vice.com).

Dices que pintas rostros porque te atraen y ves una historia detrás de ellos, pero casi haces desaparecer las líneas, como si abstrajeras las caras. ¿Estás intentando desdibujar las historias que nos cuentan?

«Introduzco la abstracción porque creo que sin ella las pinturas son retratos (lo cual veo como unidimensional). No estoy interesado en la exactitud cuando pinto, estoy interesado en explorar el concepto detrás de la identidad y también las propiedades puramente abstractas de la pintura. Realmente, me veo como un pintor abstracto».

Has dicho que intentas retratar la “hermosa monstruosidad de la masculinidad”, pero belleza y monstruosidad son paradójicas, una especie de oxímoron.

«Estoy realmente interesado en las ideas de la belleza transgresiva… Siempre me han gustado los escritos de Bataille..., como humanos, somos instruidos al tiempo que, fundamentalmente, animales. Tenemos impulsos básicos que, a menudo, están en desacuerdo con el gran conservadurismo de la sociedad. No creo que belleza y monstruosidad sean paradójicas. Pienso en las figuras de Miguel Ángel o la decadente noción de la humanidad en la que la dimensión física es reducida a sexo y violencia. Estos oscuros aspectos de quiénes somos como humanos y la fina línea entre polaridades siempre han sido muy interesantes para mí. Por supuesto, como homosexual, la idea de que mi sexualidad puede ser considerada tan pervertida por otra persona como para llevarle a infligirme daño es, en cierto modo, increíblemente fascinante, a falta de una palabra mejor».
(Entrevista en Emaho Magazine).

Página personal de Andrew Salgado
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MensajePublicado: Vie Jun 23, 2017 11:18 pm    Tí­tulo del mensaje: Responder citando

Pinturas de Michael Carson (Minneapolis, 1972):

Faith

Easy in the Moonlight

It’s a Long Day’s Night

Wallflower

Sus figuras a menudo comparten expresiones similares, pareciendo un poco cariacontecidos o distraídos, y Carson extrae estas emociones directamente de la calle. «Mira alrededor en público. La gente suele parecer un poco aburrida o cansada o triste. Es lo que está pasando en sus cabezas lo que me atrae, y puede ser cualquier cosa».
Isabella Biedenharn, Flavorwire

Su representación impresionista de personas, a menudo mujeres solitarias, se sitúa en espacios vacíos y se vale de tonos tenues, terrosos. Influido por la obra de pintores como Henri de Toulouse-Lautrec, John Singer Sargent y Norman Rockwell, Carson funda su técnica en una combinación de realismo y ademan pictoricista.
Artnet

«Me gusta el hecho de que el rostro pueda ser un tema tan sutil y en una pincelada pueda estar la diferencia en la percepción de toda la pieza. Esto me da la capacidad de trabajar en un tema y encontrar que aprendo algo nuevo en cada pintura. Me encanta incorporar mi pasión por el diseño, la moda y la arquitectura en mi trabajo. Mis anodinos entornos me ayudan a crear un estado anímico o una historia que intento transmitir a través de mi pintura».
Jones & Terwilliger Galleries
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MensajePublicado: Jue Jul 27, 2017 6:23 am    Tí­tulo del mensaje: Responder citando

Mar tempestuoso en la noche, de Iván Aivazovsky (Feodosia, Crimea, 1817-1900)

«A pesar de que produjo numerosos cuadros de paisajes y retratos, más de la mitad de los cuadros de Aivazovsky son representaciones realistas de escenas costeras y paisajes marítimos. Es recordado por sus maravillosas y melodramáticas representaciones de mares, a los cuales se dedicó mayoritariamente. Muchos de sus últimos trabajos muestran la angustia y el dolor de los soldados en batalla o perdidos en el mar, con un cielo suave y una esperanza burlona detrás de las nubes. Su técnica artística se basó en la habilidad para reproducir realísticamente el brillo del agua a contraluz, ya sea con luna llena, al amanecer, o representando barcos en llamas. Muchos de sus cuadros muestran su gran destreza para llenar el cielo de luz, para pintar la difusa luz de la luna a través de la niebla, o el brillo naranja del sol entre las nubes».
wikiart.org

Pinturas de Iván Aivazovsky (art-catalog.ru)
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MensajePublicado: Dom Sep 03, 2017 2:02 pm    Tí­tulo del mensaje: Responder citando

Place St. Michel, Notre Dame (Edouard Léon Cortès, Lagny-sur-Marne, cerca de París, 1882–1969)

«A finales del s. XIX y principios del XX, París fue el bullicioso corazón del mundo del arte, una floreciente metrópoli abundante en ideas e innovaciones que atraía coleccionistas y artistas de todos los rincones del mundo.
El célebre pintor francés Edouard Cortes se convirtió en el notario lírico de la ciudad, captando con delicadeza impresionista los matices de su luz, las vicisitudes de su tiempo, el paso de las estaciones, sus tenderetes, tranvías y calles atestadas. Fue un prolífico pintor que encontró, en los muchos visitantes de la ciudad, una amplia demanda de sus obras.
En los años cincuenta sus pinturas todavía mostraban carruajes tirados por caballos y modas hace tiempo desaparecidas de las calles de París. Cuando fue preguntado por qué, dijo que deseaba simplemente detener la Historia en 1939, antes de que el trauma de la guerra cambiara París irrevocablemente».
Christie’s
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MensajePublicado: Vie Nov 17, 2017 5:03 am    Tí­tulo del mensaje: Responder citando

En el tocador (Zinaida Serebriakova, Neskuchnoye, Imperio Ruso, 1884 - París, 1967)

«Tanto personal como profesionalmente, los años previos a la revolución fueron sin duda los más felices de Zinaída: su trabajo era progresivamente admirado en los círculos artísticos de su país; su marido era valorado y promocionado en su trabajo, y sus cuatro hijos crecían sanos y felices... Uno de sus autorretratos de esta época, “En el tocador”, de 1909, con la joven madre y artista en su esplendor físico y vital, fue la obra que la dio a conocer en los círculos artísticos de aquel momento. Hoy nos sigue pareciendo un cuadro increíble que nos contagia la belleza, felicidad y plenitud de una mujer que lo tenía todo por entonces.

»Sin embargo, la vida apacible, artística y bella de Zinaída dio un vuelco radical a partir de octubre de 1917... La hacienda de Neskuchnoye fue atacada, quemada y totalmente saqueada. Su marido, Boris, fue apresado y enfermó de tifus; murió en 1919, pocos días después de contraer la enfermedad. Zinaida quedó sola, con su madre enferma y sus cuatro hijos, sin prácticamente nadie que la pudiera ayudar.

»En 1924 recibió un encargo para trabajar en París. Viajó sola a Francia y con intención de volver a Rusia, sin embargo, no pudo regresar: las autoridades bloquearon burocráticamente su vuelta y le denegaron la ciudadanía rusa, al considerar que había salido a Francia huyendo de la revolución. Durante meses Zinaída luchó hasta que al menos pudo hacer que los más pequeños viajaran a París. Así, la familia quedó rota: Ekaterina y Alexander permanecieron con ella en París, mientras que su madre, con Yevgeny y Tatiana quedaron en Rusia. Estuvieron separados casi cuatro décadas: Zinaída no pudo ver a sus hijos durante 36 años, hasta 1960, cuando Tatiana pudo visitarla en París. En 1965 se celebraron las primeras exposiciones individuales de Zinaída Serebriakova en Moscú, Leningrado y Kiev: fue la primera vez que se daba a conocer de forma popular su trabajo en su tierra, por ello, la artista, con 80 años, regresó para la inauguración de las muestras, que tuvieron un grandioso éxito».
Inés Almendros, Óleo en el corazón: la historia de Zinaída Serebriakova (Yoldilandia)
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